Ejemplo de Arte Interactivo

JACKSON POLLOCK

Con la segunda guerra mundial en Europa la mayoría de artistas del momento, surrealistas y dadá, emigran a Norteamérica. Llevando con ellos una manera muy libre de entender la pintura.
























Pollock pintando

El gesto y la acción creadora son elementos muy importantes de la obra de arte. El artista trata de encontrar el modo de que la obra salga a la superficie. Más que crearla, la encuentra.

El expresionismo abstracto es, en el sentido más estricto, el último gran movimiento pictórico del siglo XX. Jackson Pollock es la figura mítica del mismo.

Este artista recoge en su obra la importancia del gesto, el ritmo y la creación entendida como un continuo que podría expandirse sin límites. Lo importante es el momento creativo, que para él es, en sí mismo, una experiencia vital, mística.

Este pintor es conocido por la técnica del dripping o goteo. Que no consiste en otra cosa que en pintar mediante el goteo de pintura. El artista se mueve sobre el lienzo, que está en el suelo, casi como en una danza ritual dejando que la pintura salpique la tela.

No hay figuración. Lo importante en estos cuadros es el espacio ambiguo que se crea mediante la superposición de manchas. Es un espacio en el que no existe la perspectiva, que está comprimido entre los hilos de pintura.

El color, la libertad del gesto y el ritmo son los componentes esenciales para conseguir un espacio pictórico en el que el espectador, gracias al enorme tamaño de los cuadros, se ve atrapado. Es un espacio que surge hacía dentro del cuadro.

EL ARTE TRANSGÉNICO

Eduardo Kac










Las nuevas tecnologías alteran culturalmente nuestra percepción del cuerpo humano que pasa de ser un sistema auto-regulado naturalmente a un objeto controlado artificialmente y transformado electrónicamente. La manipulación digital de la apariencia del cuerpo (y no del cuerpo mismo) expresa claramente la plasticidad de la nueva identidad formada y configurada con abundante variedad del cuerpo físico. Podemos observar este fenómeno asiduamente en los media a través de las representaciones de cuerpos idealizados o imaginarios, de encarnaciones en realidad virtual y de las proyecciones en la red de cuerpos reales (incluyendo a los avatares). Los desarrollos en paralelo de las tecnologías médicas, tales como la cirugía plástica y las neuroprótesis, en definitiva nos han permitido extender esta plasticidad inmaterial a cuerpos reales. La piel ya no es la barrera inmutable que contiene y define el cuerpo en el espacio. Por el contrario, se ha convertido en un lugar de transmutación continua. Además de intentar hacernos cargo de las asombrosas consecuencias de este proceso en marcha, también es urgente que nos planteemos la emergencia de biotecnologías que operan debajo de la piel (o dentro de cuerpos sin piel, como las bacterias) y que, por lo tanto, no son visibles. Más que hacer visible lo invisible, el arte tiene que despertar nuestra consciencia sobre aquello que está firmemente fuera de nuestro alcance visual pero que, sin embargo, nos afecta directamente. Dos de las tecnologías más prominentes que operan más allá de nuestra visión son los implantes digitales y la ingeniería genética, ambas destinadas a tener unas consecuencias profundas en el arte así como en la vida social, médica, política y económica del próximo siglo.

Propongo que el arte transgénico sea una nueva forma de arte basada en el uso de las técnicas de ingeniería genética para transferir material de una especie a otra, o de crear unos singulares organismos vivientes con genes sintéticos. La genética molecular permite al artista construir el genoma de la planta y del animal para crear nuevas formas de vida. La naturaleza de este nuevo arte no sólo es definida por el nacimiento y el crecimiento de una nueva planta o un nuevo animal, sino sobretodo, por la naturaleza de relación entre el artista, el público y el organismo transgénico. El público puede llevarse a casa las obras de arte transgénicas para cultivarlas en el jardín o criarlas como animales domésticos. No hay arte transgénico sin un compromiso firme y la aceptación de la responsabilidad por la nueva forma de vida creada así. Las preocupaciones éticas son de capital importancia en cualquier obra artística y se hacen todavía más cruciales que nunca en el contexto del arte biológico, donde un ser vivo real es la propia obra de arte. Desde la perspectiva de la comunicación entre las especies, el arte transgénico reclama una relación dialógica entre el artista, la criatura/obra de arte y aquellos que entran en contacto con ella.









Medusa (Aequorea Victoria)

Photo: David Wrobel

REBECCA HORN





















En su Obra "Guantes de dedo" presento una pieza de rendimiento y el apoyo principal de este rendimiento y se hizo en 1972. Se llevan como guantes, pero la forma de dedo se extiende con madera de balsa y tela. Esta actuación se relacionaba con su propio cuerpo y espacio. Al ser capaz de ver lo que estaba tocando y la forma en que lo tocaba, sentía como si sus dedos se extendieran y en su mente se creó la ilusión de que realmente estaba tocando lo que las extensiones estaban tocando. En este trabajo se exploran las ideas del tacto y la conciencia sensorial. Horn ha descrito cómo el uso de estos guantes alteró su relación con su entorno, de modo que los objetos lejanos llegaron a su alcance. Horn dice: "Los guantes de los dedos son ligeros, puedo moverlos sin ningún esfuerzo, sentir, tocar, agarrar cualquier cosa, pero manteniendo una cierta distancia de los objetos.La palanca de los dedos alargados intensifica los diversos datos de los sentidos de la Mano .... Me siento tocando, me veo agarrando, controlo la distancia entre mí y los objetos. "
Hay otra pieza que hizo que es muy similar a ésta. Es parte de su serie de ejercicios de Berlín realizada en 1974, titulada "Tocando las paredes con ambas manos simultáneamente". En esta pieza hizo más guantes de extensión de dedo, pero esta vez lo midió para que encajaran específicamente en el espacio seleccionado. Si el participante elegido se encontraba en medio de la sala, podía tocar las paredes opuestas simultáneamente.
Creo que Horn extiende la capacidad del cuerpo para tocar con las manos, pero al mismo tiempo distancias del cuerpo de lo que se está tocando. Ella exagera un sentido sacrificando otro. Al distanciarse de los demás, la obra está comunicando implícitamente el "miedo al contacto". Creo que esto es debido a su fondo de confinamiento y soledad, que tiene miedo de tocar objetos con sus manos desnudas. Por lo tanto, ella mantiene su cuerpo a una distancia, mientras que todavía puede agarrar objetos con sus guantes de dedo.

Daniel Joseph Martinez




















http://www.robertsandtilton.com/artists/martinez/

Nacido en 1957 en Los Ángeles, California; Vive en Los Angeles, California

Quince años después de su indeleble primera aparición en la Bienal Whitney en 1993, Daniel Joseph Martínez continúa creando obras que sin disculpa investiga problemas incómodos de identidad personal y colectiva, buscando en los tejidos de la sabiduría convencional. Un provocador estratégico con una aguda inteligencia y un mal humor, Martínez despliega toda la gama de medios disponibles en su práctica, habiendo usado en diversas ocasiones (y en varias combinaciones) el texto, la imagen, la escultura, el video y el rendimiento para construir su Única marca de investigación estética.

Los trabajos de José en los últimos años demuestran vividamente tanto sus métodos como sus fascinaciones. La Casa América Construida (2004), por ejemplo, organizó una improbable y mordaz colisión entre Unabomber Ted Kaczynski y el diseñador Martha Stewart (con un toque adicional de la anarquitectura de Gordon Matta-Clark), en forma de una cabaña de madera que llenaba el espacio En su galería de Nueva York, The Project. Pintada en pasteles stewartescos de buen gusto, la estructura incipiente, dividida de abajo hacia arriba por una rebanada que evocaba el famoso corte de Matta-Clark, de 1974, era de hecho una reimaginación de la vivienda de Montana en la que Kaczynski escribió su infame manifiesto.

Si House mira hacia afuera para probar si una nueva capa de comercio puede camuflar la arquitectura social fracturada del paisaje democrático estadounidense, el proyecto en curso de Martínez, que presenta su propio cuerpo como un sitio de contención y perturbación, hace que las preguntas sobre la apariencia y la realidad se conviertan en un enfoque personal. Comenzando con una serie de fotografías de autorretrato a partir de 2000, el artista comenzó a abrirse a los espectadores literalmente, utilizando sofisticadas técnicas de maquillaje para producir imágenes sorprendentes como el trío que constituyen más humano que el ser humano, autorretrato # 9, quinto intento de Clone Trastorno mental o cómo uno filosofa con un martillo en el que Martínez parece llegar dentro de su estómago y sacar sus entrañas sangrientas.

Una serie reciente de autorretratos animados -incluyendo Call Me Ishmael, La Tierra Totalmente Iluminada Irradie Disaster Triumphant, una instalación para el Pabellón Oficial de los Estados Unidos de la Bienal de El Cairo 2006 en la que una versión robótica del artista convulsionó en una convulsión paroxística cuando los espectadores se acercaban -constituye una elaboración del interés permanente de Martínez en interrogar tanto la transparencia artística como la complicidad de la audiencia.

La complicidad es también una consigna para el más reciente trabajo de Joseph, Divine Violence, 2007- que se mostró por primera vez a finales del año pasado en The Project en Nueva York. La obra toma su nombre de la acuñación de Walter Benjamin para una forma de violencia que funciona como medios puros, con fines cognoscibles. La instalación de 125 paneles, pintados en copos de oro para automóviles y cada uno de ellos con el nombre de una organización en todo el mundo que intenta afectar la política por medios violentos, es parte de un proyecto más amplio cuya mezcla abierta de teoría, política e investigación es representativa De toda la práctica de Martínez. De otros, el trabajo está comunicando implícitamente el "miedo al contacto".